荷蘭阿姆斯特丹的梵高博物館新品牌形象設計

1890年7月29日傍晚，梵高舉槍自殺，死前他曾哀嘆：苦難無盡。

不知道梵高這句話，是對他自己的人生，還是對這個世界所發出的感嘆。

但此時，至少我們可以一首由美國民謠歌手Don McLean為紀念梵高而作的優美歌曲伴著我們讀完此文，歌曲名為Starry Night

位于荷蘭阿姆斯特丹的梵高博物館（Van Gogh Museum ）于1973年建成，收藏著梵高超過200幅作品及他個人的書信，每年有超過150萬參觀者光臨，是荷蘭最多人參觀的博物館（在全球排名第23位）。據說該館常年播放著這首Starry Night的歌曲。該博物館最近引入了新標志，新標志由當地的 Koeweiden Postma設計公司設計。

熟悉梵高作品的人都知道，歌曲名字來自梵高的一幅同名作品：

（1889，星夜）

該博物館的新形象采用了很多梵高的東西作為輔助及應用元素，包括那些充滿特色的漩渦狀筆觸，他后期常用的黃及藍色，并且在應用中還引用了他書信中的一些句子來構成。根據該館的新聞報道：

我們新的形象的正方形的靈感來自該館的里特維爾德式建筑，它就象是一個印記，我們希望將梵高的“品牌”的名字放上去，其“紋理”圖案――我們公司新形象的一個元素，象征著梵高的那種特色的筆刷。

我們還通過引用梵高的一些句子使品牌形象象是在傳達一個故事，如“繪畫于我來說就象是一場夢，“我在繪畫中希望能傳達出一種讓人慰藉的東西，就象音樂一樣”。

黃藍是圖案的主色調，下方為延伸色調

我們可以看到，其所說的那種筆觸，在上述《星夜》一畫中我們已經可以充分感知，它象是一種不甘于沉淪的對抗，一團永不熄滅的火焰，一股生生不息的力量，也更是梵高內心的激情及掙扎的真實寫照。

但這種風格只是在梵高后期作品中才大量呈現，在早期，在他擁抱色彩之前，并不是這種風格：

（1885，吃土豆的人）

《吃土豆的人》是梵高第一幅有較大影響力的作品，帶著其故鄉荷蘭北方的陰暗風格。我們可以看到一些筆觸還略帶笨拙， 但卻可以看到這幅作品看到后期一些風格的影子。梵高受到米勒的影響，歌頌底層勞動人民，畫中的人物，似乎顯得骯臟，但他們在吃土豆的時候，表情是如此的莊 重虔誠，讓人看到米勒的《晚鐘》的影子，也是對當時熱衷于畫“迷人鄉村風景畫”的畫壇的一種對抗。

梵高繪畫前，曾做過傳教士，他對“拯救靈魂”的工作非常入迷，經常與那些貧苦大眾在一起，甚至因為同情礦工，出于人道關懷，與礦工一道下井工作，還曾收留過一個一貧如洗的妓女，由于工作過于“狂熱”，當地教會辭退了他。

梵高從未接受過嚴格的學院派繪畫訓練――這對于他個人來說是不幸的，因為這使到他的畫作在當時并不受人欣賞，但對我們后人來說卻是幸運的，正是因為只隨著體內流動的熱情來繪畫，才為我們開啟了另一扇藝術之門。

但其實，梵高自己也是一貧如洗，一生都依靠他的弟弟提奧的資助。他的書信大部分都是與提奧之間的通信，他的弟弟日子過得挺滋潤，在巴黎做著畫商的生意，梵高在繪畫后經常將自己的作品寄給他弟弟，但都無人問津。梵高雖然患有精神病，但在與他弟弟的通信錄中，我們可以看到梵高其實是一個思維嚴密、思想清晰的人，在被教會辭提后，他閱讀了大量的雨果、狄更斯等著作，并對當時的各種文學作品在信中發表了相當有深度的評論。但文字已經不足以表達他的思想，于是他拿起了畫筆，那一刻，他已經將近三十歲了。

播種者

在《播種者》一畫作，我們可以看到他在模仿米勒的同名作，但梵高與米勒的作品完全不同，圖中的播種者，象是走在一條星光大道上，地面波光粼粼，象是耶穌走在水上的樣子，呈現天堂般的美好。

梵高后來去巴黎找他的弟弟，在法國，他經歷了一段“學生”經歷，因為他認識了印象主義的畫派，于是他開始認認真真地畫一些當時主流的印象畫派風格的繪畫。這段經歷對梵高是重要的，色彩這個精靈開始在他體內發酵。在當地，他還認識了另一個邊緣畫家高更。高更曾經當過股票經紀人，后來炒股失敗，于是便來個優雅的轉身開始繪畫創作――不知道中國的股市有沒有造就出幾個畫家出來，按理應該是不少的。高更后來更是在南太平洋一個小島上渡過了余生。

1888年，梵高厭倦了巴黎的生活，來到了法國南部阿爾。梵高與當地的向日葵一樣，終于迎來了陽光。

（向日葵）

向日葵象是一個藥引，引出了梵高體內那騷動不安的能量。在這里，他繪了大量極富表現力的作品，那些起伏的山石，翻滾的麥浪，扭卷的云團，畫中，無論是靜物還是風景畫，其顏色及筆觸都如火焰般跳動。

（1890，麥田群鴉）

《麥田群鴉》蔑視了一切傳統風景畫的繪畫規則，它沒有透視，沒有縱深，沒有所謂的消失點，事實上，我們的眼睛只是隨著他的筆觸及色塊在翻滾。它或許就是一張梵高的心靈地圖，大膽的顏色，黃藍補色對比所帶來的沖擊力，既給人一種壓抑，但同時又帶來一種極大的喜悅。這種只忠實自己內心體驗的繪畫，對后來的野獸派及表現主義繪畫都產生了直接的影響，他的作品風格也不同于前期那些主流的印象派，他沒有過多地迷戀在光與影的游戲中，雖然在歸類上他的作品被稱作“后印象派風格”。

但不要說梵高不懂透視法，在下面這幅《夜間咖啡館》中，就有著嚴格的透視法則，同時他已經非常擅于利用補色的力量，如主要的藍黃，這里的紅綠。

所以說，梵高是在有意識地摧毀以往的一切繪畫技法。精神病或許更象是梵高作品的創作來源，事實上，在他發病的空檔期間，他所繪的畫總是特別令人印象深刻。我有時會覺得那些漩渦狀的元素，有可能是他在發病時出現的一種幻覺。他在咖啡館，可能在等著高更的來臨，因為他多次寫信讓高更來阿爾與他一起繪畫。高更后來確實來了，但矛盾也爆發了，在一次與高更吵架后，梵高在迷亂中割下他那著名的耳朵：

梵高與高更的矛盾根源是源于兩者的人生觀并不一樣，梵高是入世的，熱愛生活，充滿激情，而高更更象是一個玩世不恭的浪子，喜歡在尋花問柳中尋找靈感。

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左為舊標志，右為新標志

新形象的一些應用：

上圖為裝梵高作品海報的盒子設計

對于梵高博物館的標志，我個人是非常認同的，有些人可能認為，文字標志過于簡單了，沒有太大特色，應該融入梵高作品的一些特色――這種思路是有點危險的。因為對于一個本身就是畫家的標志來說，根本不可能有什么簡單的圖案可以體現一個有著如此豐富內涵的特色的元素存在。最穩妥的辦法就是采用文字標志――或者采用其固定簽名形式。從這一點來說，其實原來標志也不見得有什么不好，不過新標志居右的擺放使其呈現一種跳動的感覺，這一點倒也算是呼應梵高作品的精髓所在了。

正如這個品牌形象所展示的，他們在輔助圖案中卻采用了梵高作品的最重要一個特色來表現，從其應用效果呈現出一種既特別又清晰干凈的視覺效果。但，這些紋理雖然捕捉到梵高那種筆畫的形狀，卻對于那種原畫中力量感卻遠遠不能觸及。它變得溫柔了許多，只象是一種精致淡雅的裝飾花紋――這絕不是梵高所想要表達的東西。這也是一個標志在表現另一種藝術形式時所面臨的局限所在。

上圖是梵高最后的一幅自我像。按他自己的說法，這幅畫主要要研究“平靜”這個主題。事實上，背景那些筆觸仍然使我們沒有感覺多少平靜。但，梵高的臉上，確實是平靜及堅定的。堅定的下巴及眼神，不理周圍的種種扭卷狀色塊的沖擊，不理紅塵如何紛擾，他仍然鎮靜自若。

梵高以他精神的苦難所產生的結晶，給后人帶來全新的視覺體驗及慰藉。他的自畫像象是對自己永恒的追問。或許這個世界確實是苦難無盡的，但他的作品至少可以讓我們片刻忘記種種的苦難，與他畫中的色塊，一同起伏。夜，因為星星的閃動而變得溫馨，所以梵高的星夜，正是他對自己作品意義的最終闡述。

從這一點說，分析標志的字體用得如何，其實真的不太重要。

圖片來源：Brand New, 互聯網